shambara / デッドエンド(DEAD END) 1988年

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ヘヴィメタルの中に耽美派ニューウェイブの要素を大胆に反映させた独自すぎるメタルサウンドが後に続くV系アーティスト達に多大な影響を与えたジャパニーズ・ヘヴィメタルの異端児/デッドエンド(DEAD END)

本作はそんな彼らの3rdアルバムとなっており「狂気的で摩訶不思議な歌詞」と「耽美的で退廃的なメタルサウンド」が見事に融合されている。

河村隆一、hyde、清春などの「V系レジェンド達」に多大すぎる影響を与えたMORRIEのボーカルは耽美的でありながらも「どこまでも続く地平線」のように力強く、本作に収録されている某曲などは「これボーカルhytdeじゃない？！」と聴き間違いしてしまう程である。また「ヘヴィだが空間的な広がりを見せるギターリフ」「異空間のようなミステリアスさを醸し出す耽美なアルペジオ」などを自在に操り、良質なV系ツインギターサウンドを1人で演っているような足立祐二(g)のギタープレイはギターキッズ必聴である。

デッドエンド(DEAD END)の存在がなければ「90年代V系」は存在しなかったと断言でき、ミュージシャン限定で言うとその影響力は日本におけるギターロックの雛形を作ったボウイ(BOOWY)以上かもしれない？！

「要点」

・「狂気的で摩訶不思議な歌詞」と「耽美的で退廃的なメタルサウンド」が見事に融合されている
・デッドエンド(DEAD END)の存在がなければ「90年代V系」は存在しなかったと断言できる

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「曲解説」

1 EMBRYO BURNING

「魔界」のような質感のヘヴィなギターリフが、他のジャパニーズ・ヘヴィメタルバンドとは一線を画するヘヴィメタル・チューン。サビのボーカルラインの後ろでは「蜃気楼」のようなシンセ(ギターの可能性もある)が透明に響き渡る。MORRIEのボーカルはパワフルでありながらも耽美的であり素晴らしいの一言である。

2 JUNK

ヘヴィリフがゆったりとリフレインされるスローテンポの曲。MORRIEのボーカルはおどろおどろしいものとなっている。歌詞の内容は「シュールを超えた不気味さ」を感じるものとなっており、「ばらばらの肉体が宙ぶらりんになり」などは中々出てこないラインであると思う。

3 NIGHT SONG

「強打」のようなドラムプレイと浮遊感を感じるヘヴィリフが疾走感を演出するハードチューン。サビではキュアー(CURE)を彷彿とさせる耽美でミステリアスなアルペジオが登場し曲を立体的にしている(2:13〜)ギターソロはテクニカルなものとなっており「ヘヴィメタル」ではあるのだが「V系的な狂ったフィーリング」を確かに感じる事ができる内容となっている。本曲で聴ける足立祐二(g)のプレイは「ルナシー(LUNASEA)のツインギターを1人で演奏した」ようなイメージであり効果的に「ヘヴィネス」と「耽美」を曲に提供している。

4 SERPENT SILVER

スラッシュメタルのようなスピードを感じるニューウェイブ・メタル。この曲でもキュアー(CURE)彷彿の耽美的なアルペジオが導入されている。歌詞は意味深とした言いようがない内容だが「神々しい光」というラインは、河村隆一とhydeに多大な影響を与えたと思われる。

6 LUNA MADNESS

ウォームで立体的なベースラインが非常に目立ち、耽美なUKポップをデッドエンド(DEAD END)流にアレンジしたような曲。歌われている内容は狂気的なものっているが、歌詞の内容とは裏腹にMORRIEのボーカルは「耽美的に揺れる」ように歌われており逆説的に狂気を表現していると思われる。

8 BLOOD MUSIC

ブルージーなハードロックテイストを感じるハードな曲で本作に収録されている曲の中で「最もグルーヴを感じる」事ができる。MORRIEのボーカルもワイルドさが強調されたものとなっており「デッドエンド(DEAD END)」のヘヴィメタル的側面を強調したようなイメージの曲である。

10 I CAN HEAR THE RAIN

泣きのギターフレーズで幕をあける疾走系・耽美チューン。この曲で聴く事ができる足立祐二(g)のプレイは、ジョニー・マー/ザ・スミス(The Smiths) を彷彿とさせる流麗なものとなっている。反面、ギターソロは高速早弾きを盛り込んだエモーショナルなものとなっておりハードロック的な熱量を感じる。

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EDEN / ルナシー(LUNA SEA) 1993年

暗黒世界のような雰囲気を醸し出していた尖ったメジャー1stアルバム「IMAGE」から1年後にリリースされたメジャー2ndアルバム。前作とは正反対と言っていい「透明で耽美的な幻想世界」という趣の作風となっている。

本作はメンバー・ファンの中でも非常に賛否両論が巻き起こったアルバムではあるのだが、現在の感覚で聴いても「抜群に音が良い」アルバムである事は間違いなくルナシー(LUNA SEA)の「耽美」「ミステリアス」な魅力を余す事なくパッケージングしている。

メジャー1stアルバム「IMAGE」のビジネス的な苦戦から(「IMAGE」は10万枚のセールスをマークしており新人アーティストとしては明らかに良いセールスを記録しているのだが「XJAPANの弟分的な存在」である彼等としては「物足りないセールス」とレコード会社は判断するであろう。)おそらくではあるがレコード会社から「ポップな作風」を求められたと思われるが、レコード会社のいう事を「はい、分かりました」と素直に従うようなアーティストではない。「ポップな作風」を求められ「このノーマルな感覚から良い意味でズレた異形のポップネス」を提案するあたりに彼等のストイックなまでの拘りと尖ったプライドを感じる。

本作がなければ活動休止(96年)までのルナシー(LUNA SEA)サウンドはまた別のものとなっていたと断言できる。そう、ルナシー(LUNA SEA)はどんなにハード、ヘヴィな曲をやってもそこに「耽美性」「神聖さ」が伴うからこそオンリーワンなアーティストであるからだ。

「要点」

・「透明で耽美的な幻想世界」という趣の作風
・「ポップな作風」を求められ「このノーマルな感覚から良い意味でズレた異形のポップネス」を提案するあたりに彼等のストイックなまでの拘りと尖ったプライドを感じる。

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「曲解説」

1 JESUS

「サイバーなグランジ」のようなリフが印象的なオープニングチューン。ソロ活動以降(1998年)〜終幕(2000年)にかけて彼等が頻繁に口にした「輝」というワードをはじめて歌詞に盛り込んでおり「暗黒世界」のような雰囲気を醸し出していたメジャーデビューアルバム「IMAGE」とは正反対の「透明で耽美的」な音響を前面に押し出している。歌詞は「何の為に生まれてきたのか？」というダークな気持ちを抱えている主人公が「罪が消えて解き放たれる事ができるなら輝きたい」と願うという内容になっている。

2 BELIEVE

詳細(BELIEVE(single) / ルナシー(LUNA SEA))はこちら

3 Rejuvenescence

「シンプルな英語のワンワード」をタイトルにする事が多い彼等の曲の中で「難解な響きを持つタイトル」の耽美でセンチメンタルな名曲。「氷の世界のような音響」が曲の進行と共に「春の訪れのような暖かい音響」に少しづつ変化していくようなイメージの曲である。人気youtuber/たむたむ氏もカバーしている事からも分かる様にコアファンから絶大な人気を誇る。

4 RECALL

「妖精の国」ようなメルヘンを感じる透明なバラード。「現実と空想の境目がゴチャゴチャになった」ような恋愛感情を歌っている歌詞は非常に文学的である。「四次元の夢」という難解なワードも登場する。

5 ANUBIS

ドラムンベース風のリズムの上をSUGIZO(g)の耽美なカッティングフレーズが舞い踊り、近未来的でエロティックな雰囲気をもつアップテンポな曲。この曲のギターフレーズは布袋寅泰からの影響を感じるものでありルナシー(LUNA SEA)の曲の中で最もボウイ(BOOWY)的であると言える。歌詞の内容な「空想の中の空想」というイメージでぶっ壊れたものとなっている。

6 LASTLY

「戻れないあの日」のようなJ(b)のメロディックなベースラインがインパクト大の物悲しいバラード。歌詞の内容は「分かり合えていた人物の死」を連想させるものとなっており「あの頃に帰りたい」と切望するという内容である。「左回りの時計」というフレーズも登場するが、よくよく考えてみるとルナシー(LUNA SEA)の曲では「時」や「時計」に関する歌詞(壊れた砂時計/時の調べ追わず)や「時計の針」を思わせるサウンドが多く登場する気がする。時が経ち、RYUICHI(vo)が「時計」にハマったのは必然なのかもしれない。

7 IN MY DREAM (WITH SHIVER)

「飛ぶことさえ許されず明日も見えない」どん詰まり状態を言語化した歌詞が切なすぎる2ndシングルなのだが、曲を通して開放的な空気感を感じる事ができる。この曲の歌詞では久しぶりに「女神」が登場。筆者の記憶では「女神」の登場はインディーズ時代のハードコアチューン「CHESS」以来である。

9 LAMENTABLE

弦楽器隊3人がそれぞれの特徴を盛り込んだフレーズを聴かせてくれるアッパーチューン。「恋も夢も知らずにバーチャルな世界で生まれ死にいく主人公に対して「その世界から抜け出して現実を生きろ」と訴える曲。この曲の歌詞は発売当時の93年より現在の若い世代に響くと思われる。

11 STAY

「全てのリスナーに花束を届ける」ようなラストチューンでシンプルなビートが強調された耽美なギターロックチューンとなっている。歌詞の内容は「幻想的かつ耽美で練られた」印象が強い他の収録曲とは一線を画す内容となっており「この想いは何も変わっていない」と高らかに宣言するという内容である。

V系

DESIRE(Single) / ルナシー(LUNA SEA) 1995年

「1 DESIRE」
真矢(dr)のパワフルなドラムの連打から始まるソリッドなロックチューン。狂おしい恋愛感情をパッケージングした歌詞は「この感情にハマるドラマやCMなど存在するものか！」と当時隆盛を極めていたタイアップを拒絶するかのようであり「孤高のストイックさ」を感じさせる。

「ザクザクとした質感のバッキングと立体的なアルペジオから成る攻撃的なツインギター」「強烈にうねるベースライン」「曲の緩急をコントロールするシンプルでパワフルなドラム」が一体となって攻めこんでくる過剰なサウンドは「各パートが他のパートの合間を縫う」ように複雑に絡み合っており普通のシンガーであれば歌うことが困難であると思われる。

筆者としてはこの曲こそが「ルナシー(LUNA SEA)の絶頂期を最も象徴する」曲であると同時に音楽的な一つの到達点でもあると思う。ルナシー(LUNA SEA)というバンドはインディーズ時代から「ハードなロックサウンド」と距離を置いてきたアーティストなのだが、ルナシー(LUNA SEA)独自のスペーシーで浮遊感溢れるサウンドをハード化させた「異色作ROSIER」でまさかの大ブレイクを果たした。

二ューウェイブから派生したサウンドを「ハード」「アグレッシヴ」に変換させたアーティストは海外にも存在するのだが、ルナシー(LUNA SEA)と似たサウンドのアーティストは存在しないのである。要するにこの当時のルナシー(LUNA SEA)は「世界的に見ても極めてユニーク」なサウンドを鳴らしていたのである。

94年〜96年にリリースされたルナシー(LUNA SEA)の音源には「はじめから明確な答えが見えているか」のごとく音に一切の迷いが感じられない。

「2 LUV U」
「1 DESIRE」同様に狂おしい恋愛感情をパッケージングしたカップリング。「泥沼」のようにディープな音響はマッシヴ・アタック(Massive Attack)などのトリップホップ・アーティストからの影響をルナシー(LUNA SEA)なりに消化したものであろう。

歌詞は「モノトーンな部屋のベッドの上で四六時中抱き合う男女」を連想するものとなっており、RYUICHI(vo)のボーカルは曲の世界観と見事にマッチした質感で「呪縛」のようなシュールな熱さを感じさせる。オリコンチャート1位を獲得したヒットシングルのカップリングにディープでマニアックな曲を収録する所に彼らの「音楽マニア」としての拘りが感じられる。

「要点」

・「1 DESIRE」・・・「各パートが他のパートの合間を縫う」ように複雑に絡み合っており普通のシンガーであれば歌うことが困難であると思われる。
・「2 LUV U」・・・オリコンチャート1位を獲得したヒットシングルのカップリングにこの様なディープでマニアックな曲を収録する所に彼らの音楽マニアとしての拘りが感じられる。

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ROSIER(Single) / ルナシー(LUNA SEA) 1994年

「1 ROSIER」
ルナシー(LUNA SEA)のキャリアの中で「明確なターニングポイント」となった曲であり、これまでのルナシー(LUNA SEA)サウンドにはない「モダンなエッジ」は異色作と言っても過言ではないと思う。またこの曲はベーシストのJが「遺書」として作り上げた力作である事でも有名である。

筆者は作曲者であるJ(b)のソロアルバムも聴いた事があるが「ジャンル分けが困難であるレベルにストレートでアグレッシヴなサウンド」であるという印象をもった。おそらくROSIERも原曲の段階では「ど直球なハイエナジーロック」なのだと思われるが、そのハイエナジーロックを一癖も二癖もあるメンバー達でジャムりながらアレンジしたところ「宇宙的な開放感・浮遊感が伴うこれまで聴いた事がないスペシャルなロックチューン」となったのであろう。

サビの歌詞に出てくる「揺れて揺れて」というラインは、多感な小中高生男子のハートを一発でキャッチする神ラインである。人生の中でも最も「揺れる」のは間違いなくティーンエイジャーであるのだから当然といえば当然であろう。本作のロングヒットによりルナシー(LUNA SEA)は「ネクストブレイクの候補の一つ」から「10代に最も支持される異端なロックアーティスト」に変貌を遂げ翌95年には東京ドーム制覇まで成し遂げている。

彼等はこの勢いのまま、ロックアーティストとしてクリエイティヴの絶頂期を迎えていく事となる。既存ファンに支持され「世間に迎合する事なくナチュラルな形で膨大な新規ファンベースの開拓」に成功できた本作は「ロックアーティス」として理想的な売れ方であると筆者は思う。

「2 RAIN」
「気怠い雨雲」を思わせる音響がメランコリックな雰囲気を醸し出す隠れた名バラード。

「何と言えない混沌としたコード進行」を中心に展開され、RYUICHI(vo)のボーカルはサビ以外「地を這う」ような低音となっている。(2:38〜)「強烈なモザイクをクルクルとかき混ぜた」ようなSUGIZO(g)のノイズプレイが登場。94年の日本の音楽シーンでこのサウンドは斬新を超えた響きがある。

歌詞の内容は「くちずけた後に全てを忘れてしまうだろう」と思える程の「強烈な片思い」を連想させるものとなっており、これまでのバラードとは異なり筆者のような一般人にも情景が浮かぶ言葉がチョイスされている。

「要点」

・「1 ROSIER」・・・これまでのルナシー(LUNA SEA)サウンドにはない「モダンなエッジ」は異色作と言っても過言ではないと思う。
・「2 RAIN」・・・これまでのバラードとは異なり筆者のような一般人にも情景が浮かぶ言葉がチョイスされている。

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V系

Seventeen Seconds / ザ・キュアー (The Cure) 1980年

ビジネス性を完全に無視するかのように「ミステリアスな我が道を行っている」2ndアルバム。

本作で聴く事ができる淡々とした冷たいサウンドは「ポップ・ミュージック」の体裁すら気にしておらず「ポップ・ミュージック」としての体裁を保っている曲は「7 A Forest」位であり、ロバート・スミス(vo)のボーカルラインも「耽美な音響」として機能している。

この「難解なアルバム」は明らかに「スルメタイプのアルバム」であり「リスナーを非常に選ぶタイプの作品」であることは間違いない。この作品の本当の良さを理解するには少なくとも10回は聴く必要があるだろう。

賛否両論必至のアルバムだが2ndアルバムにして、ここまで「独自を貫けるアーティスト」は非常にレアであると感じる。1stアルバムで僅かながらに感じた「パンクの残り香」は本作には微塵も残っていない。

「要点」

・淡々とした冷たいサウンドは「ポップ・ミュージック」の体裁すら気にしていない
・賛否両論必至のアルバム。2ndアルバムにして、ここまで「独自を貫けるアーティスト」は非常にレア

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「曲解説」

2 Play for Today

淡々としたプラスティックなビートの上を「無表情」なベースラインと「クリスタルの破片」のような透明感を感じるギターサウンドが踊る。「ポップソングとしての意味合い」を拒絶するようなシャープで冷たい音像はまるで「ポストロック」のようである。

3 Secrets

「静かに時を刻む針」のようなギターサウンドと「虚しい独り言」のようなベースラインが印象的なスローテンポの曲。終盤はミステリアスなピアノが挿入され物悲しさが強調される。

4 In Your House

「暗闇の中で揺れるキャンドル」ような音響が幽玄な雰囲気を醸し出しているスローでマニアックな曲。淡々と鳴り響くクリアなアルペジオは「暗闇の中で青く妖しげに輝く光」のようである。

5 Three

「ミニマムミュージックの巨匠/スティーヴ・ライヒ(Steve Reich)の曲に二ューウェイブアレンジを施した」ようなイメージの曲でチープなリズムの上でミニマムでビビッドな電子音が無造作に点灯する。

7 A Forest

「霧に包まれている」ような音響の中で高音を活かしたベースラインがミステリアスな旋律を奏でる曲。十分にマニアックな曲ではあるが難解な本作の中では最も「ポップ・ミュージックの体裁」をもつ曲であると言えるであろう。ロバート・スミス(vo)のボーカルラインは抜群のメロディーセンスをあえて抑えているかのように「耽美な音響」として機能している。

8 M

コーラスがかかったマイナー調のコードストロークとベースラインが「複雑なツインギター」のように絡まるのだが「ロック的な熱量」は皆無で冷徹なまでに「音響」として機能している。このアルバムに収録されている多くの曲にも同様の事が言えるが、淡々として冷たいのに不思議とダレる事はなく「リスナーを耽美な空間に引き込む」。

10 Seventeen Seconds

「ナチュラルなメランコリア」を感じる二ューウェイブチューン。クリアで空間的なギターサウンドは「メロディーや旋律と距離を置いている」ようなイメージであり「無国籍な浮遊感」を演出している。

ニューウェイブ

second toughest in the infants / アンダーワールド(Underworld)1996年

「BPM以上のスピード感を演出する高速ループ」や「ビビッドな電子音」など様々な情景を連想するサウンドが印象的でニューウェイブ的なダークさとミステリアスな雰囲気があった前作よりクリアーな音が多くなった4thアルバム。

カール・ハイドのボーカルは相変わらず無機質で脱力感のあるものが多いが、ラストソング「8 stagger」ではレディオヘッド(radiohead)のようなエモーショナルを感じる。またエイフェックス・ツイン(Aphex Twin)やオウテカ(Autechre)などのエレクトロニカ系アーティストから影響をうけたと思われる「冷たく透明な質感の音」や「神経質なブレイクビーツ」なども柔軟に受け入れており、アルバムジャケット同様に「ダークで陰鬱な黒」を開放的に表現したようなアルバムとなっている。

「要点」

エレクトロニカ系アーティストからの影響をうけている
「ダークで陰鬱な黒」を開放的に表現したようなアルバム

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「曲解説」

1 juanita : kiteless : to dream of love

「深夜の首都高速をドライブする」ようなスピード感を感じる16分超えのオープニングチューン。序盤に登場するボーカルラインは一切の感情がなく「暗号」のように無機質である(3:40〜)「眩しいネオン」のような電子音が高速でループされ、体感速度を大幅に上げる(6:02〜)「回りながら落下」するような電子音が存在感を放つミステリアスな展開となり、その後はリバーヴのかかったギターサウンドの断片が登場。10分を超えたあたりから曲はアシッドハウスのようなディープさを持ち始める(12:12〜)「透明なクリスタル」のような質感のシンセサウンドが光の速さで美しい旋律を奏でる。このサウンドをバックに「人間らしい暖かい感情を持ったボーカルライン」が登場。そこに「電気的な歪み」を感じるエッジのたった電子音やアシッドハウス的な「鳥類の鳴き声にエフェクトをかけた」ようなサウンドが絡む。最後は「壊れたロボット同士の会話」のような声の断片がミステリアスに響く。

2 banstyle/sappys curry

序盤と中盤で曲の雰囲気がガラリと変わるプログレな曲。時折挿入されるカール・ハイドのボーカルは脱力感がありメロウなものとなっている。0~6分頃までは「雲の上」のような浮遊感を感じる音響とシャープなジャングル風ブレイクビーツが印象的な展開でエイフェックス・ツイン(Aphex Twin)以降の神経質な音響も登場する。6分頃〜アナログな暖かさを感じる立体的なスラップベースがミニマムなフレーズを奏でて、そこに「さざ波」のような質感の電子音が絡まり「メランコリックな夏の海」を連想するような空気感が出来上がる(11:53〜)「シュールな世界にワープできる泉」のような質感のサイケデリックな音響がリスナーの頭の中をグシャグシャとかき乱す。終盤はこれまで曲中に登場した全ての音と雰囲気が絡まるカオスな展開で幕を閉じる。

3 confusion the waitress

「ミニマリストの部屋」を思わせるミニマムでメランコリックな質感の曲。リズムは規則正しい四つ打ちとブレイクビーツが交互に鳴らされるイメージで、ボーカルラインは相変わらず「独り言」のようなものとなっている。

5 pearls girl

「どんよりした曇り空にモザイクをかけた」ような空気感の曲。エレクトロニカ風の神経質なブレイクビーツやバグったコンピュータボイスが時折挿入される。この曲でのカール・ハイドのボーカルはインダストリアル的に歪んでいる(5:28〜)「crazy、crazy」というワードを高速ループするシュールな展開となり、そこにバグった質感の細切れの女性ボイスも加わってリスナーをトランス状態にする。終盤は「神聖で真っ白なストリングス」が全てを包み込むがそこに神経質なブレイクビーツが「蛇」のように動き回りアクセントを加える。

6 air towel

ビビッドな音色の電子音が終始「ギターリフ」のようにリフレインされるシンプルな曲。「囁き」のような無機質なボーカルはメランコリックでメロディーを聴かせる気などまるでない。中盤以降はエレクトロニカ的な冷たい音像が曲に冷気を与える。

8 stagger

モノトーンでシリアスな空気感を持つダウナーソング。物悲しくダークなピアノ風の旋律は「氷の迷路」のようであり、カール・ハイドのボーカルはレディオヘッド(radiohead)のようにエモーショナルである。終盤〜最後は歪んだビートだけが「重い足取り」のようにスローに鳴り響く。

INSTANT LOVE / ボウイ(BOØWY) 1983年

デビューアルバム「MORAL」から別人のような変化を遂げた2ndアルバム。

メンバー構成が6人から4人となった事で各メンバーのパートがより目立ち音に躍動感とビビッドな色彩が感じられる。またプラスティックで衝動的なパンクサウンドにのせて「教師」や「サラリーマン」に対する苛立ちや嫌悪感を挑発的な言葉にして吐き出していた氷室京介(vo)のボーカルは「弾けるパート」と「あえて抑制させるパート」を使い分けるモダンなものとなっている。

歌詞に関しては前作同様のわかりやすく挑発的な内容は「7 LONDON GAME」位となっており、アルバム全体から「パンクとは距離を置きたい」という明確な意思を感じる。ちなみに「7 LONDON GAME」では「髪を立てた自称パンクス達」を小馬鹿にしていると思われる。

本作はスタジオワークを学んだ布袋寅泰(g)のアイデアが思う存分発揮されており、エフェクティブでアバンギャルドなギターサウンドが随所に散りばめられている。「8 SYMPHONIC」で聴くことができる「曲そのものをズタズタに切り裂くようなギターカッティングはまるで「モラル」という名の檻の中に閉じ込められていたライオンが暴れ始めたような凶暴性すら感じさせる。

本作は本当の意味でのボウイ(BOØWY)のデビューアルバムと言っていい内容となっている。

「要点」

・アルバム全体から「パンクとは距離を置きたい」という明確な意思を感じる。
・「7 LONDON GAME」では「髪を立てた自称パンクス達」を小馬鹿にしていると思われる。

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「曲解説」

1 INSTANT LOVE

前作には気薄であったカラフルさを感じる軽やかなギターポップで「6弦を親指で押さえたフォーム」でマイナーコードをカッティングする布袋寅泰(g)らしいファンキーなフレージングが曲に疾走感を与えている(1:07〜、2:06〜) 「ふと冷静になった深夜」のような沈むマイナーコードがかき鳴らされ「パキッ」とした金属的なビートが曲に緊張感を与えている。氷室京介(vo)のボーカルは前作までのそれとはまるで別人のようであり「弾けるパート」と「あえて抑制させるパート」を使い分けるモダンなものとなっている(2:40〜)キラキラした眩しい電子音が現れリスナーを夢の国に誘う。終盤は浮遊感の伴うエフェクトが掛けられベースがマニアックなメロディーを奏でる。

2 MY HONEY

「スペーシーな音響の中でタイトなロックソングを奏でた」というイメージの曲。所々で挿入される布袋寅泰(g)によるエフェクティヴなギターサウンドが「怪しい光」のように曲の中で異彩を放っている。歌詞の中に出てくる「かわいすぎるぜ」というラインにはビックリさせられる「尖ったパンキッシュな歌詞」を求める初期ファンの方はこのフレーズに対して当時どのようなリアクションを示したのか非常に気になる。

4 FUNNY-BOY

「難解で神秘的なRPGゲーム」を連想するシンセサウンドをフィーチャーしたニューウェイブ・ギターソングで布袋寅泰(g)がフェイバリットに上げているアーティスト/エックス・ティー・シー(XTC)からの強い影響を感じられる曲となっている。「早足」のような疾走感と知性を感じるデリケートな音響が混ざりあう「アートヤンキー」なロックチューンである。

6 TEENAGE EMOTION

遊び心を感じる電子音やエフェクトをかけた歪んだコーラスが印象的なジャンクチューン。この曲における松井常松(b)のベースラインは「凸凹した歪なフロア」のように立体的であり珍しくエゴイスティックなラインとなっている。(1:52〜)強烈に歪ませた音色によるベースソロが披露され曲そのものに縮れた質感を与えている。

7 LONDON GAME

コミカルなポップソングの中に時折「歪んで狂ったパンクパート」が挿入される凝った曲。歌詞の内容はおそらくではあるが「髪を立てた自称パンクス達」を小馬鹿にしたものと思われる。本作/INSTANT LOVEはボウイ(BOØWY)にとって「パンクからの脱却」というテーマもあると思うのだが、そういう意味においてはこの曲の歌詞は最も本作を象徴していると言ってもいいと思う。

8 SYMPHONIC

布袋寅泰(g)のファンキーなカッティングギターがメランコリックソングをズタズタに切り裂く実験的な曲。この曲のカッティングフレーズを人差し指を伸ばすフォームで弾くことはある種不可能である(2:40〜)「ぶっ壊れた」とした言いようのない布袋寅泰(g)のアヴァンギャルドなノイズプレイが強烈な爪痕を残す。

9 THIS MOMENT

ダビーな音響の中、松井常松(b)のベースラインが「孤独な足跡」のようにダークに響わたりボウイ(BOØWY)ソングの中で唯一レゲエを感じる曲となっている(2:27〜)ギターソロはポストパンクの神アーティスト/ザ・ポップ・グループ(The Pop Group)に影響をうけたと思われる内容であり、不協和音を効果的に取り入れている。最後は「夢の中で見た夢」のようなドリーミーな電子音に包まれる展開となる。

Rising/レインボー(Rainbow)1976年

音楽性の違いによりディープ・パープル（Deep Purple）を脱退したリッチー・ブラックモアが新たに結成したバンド/レインボー（Rainbow）。

ディープ・パープル（Deep Purple）と比べるとブルース色が大幅に薄れ「テクニカルの追求」そしてヘヴィメタル的な「シンフォニックさ」「壮大さ」「中世ヨーロッパ感」などを感じる事ができ、「破壊的な勢い」ではなく「メロディー」や「旋律」や「世界観」を重視するヘヴィメタルバンドに多大な影響を与えたと思われる作品。機材にも相当拘ったと思われる超絶ギターソロを聞かせたりとやりたいことをやりきった1枚である。

「要点」

シンフォニックで壮大で中世ヨーロッパ的な音
旋律を重視するHRバンドに多大な影響を与えた

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「曲解説」

1 Tarot Woman

「ドラクエの魔法ルーラ(瞬間移動できる魔法)」を思わせる時空をこえたようなシンセの音で幕を開け、その後、ギターとシンセはランデヴーを続ける。この曲の「ダカ、ダカ、ダカ、ダカ」という単音リフは後のスラッシュメタルの「ザクザク刻みリフ」の原型では？をという気がする。

5 Stargazer

壮大で少し不穏なシンフォニックなストリングスが流れ、曲のちょうど中間に位置するギターソロは「エジプトの神殿」を思わせるような音色。終始ながれる中世のような雰囲気が印象的な曲。

6 A Light in the Black

ディープ・パープルの名曲「Highway Star」のように高速なドライブを連想する疾走感ある曲。リッチー・ブラックモアが奏でる「タッタラー、タッタラー」というギターリフはサーフミュージックのように軽やかで非常にキャッチー。また今作のギターソロー(シンセの可能性もあり)は76年という時代を考えるととんでもなくアバンギャルドなもので「バグった画面をスターを手にしたマリオが疾走してラスボスを倒し、次は荒野をヨッシーに乗って激走する」かのような展開でまさにやりたい放題。ギターソロの時間は3分半にも及ぶ。

HR/HM

Machine Head/ディープ・パープル(Deep Purple)1972年

ハードロックと言えばディープ・パープル（Deep Purple）と言っていい位に有名なバンド。音楽レビューを始めてこれまで聴いてこなかったジャンルであるHR/HMを聴いているのだが、レッド・ツェッペリン（LED ZEPPELIN）、ディープ・パープル（Deep Purple）、ブラック・サバス（Black Sabbath）位は教養として知っておこうって事ではじめてディープ・パープル（Deep Purple）聴いてみた。

「HR/HM=ギタリストが主役というイメージ」が強すぎて筆者はディープ・パープル（Deep Purple）にオルガンプレイヤーが存在する事を認識出来ていなかった。今作から感じる事が出来るクラシカルな香りや他のバンドにはない部類の重層さはオルガンプレイヤー：ジョン・ロード(key)の貢献が非常に大きい。

「要点」

ミニマムなギターリフのお手本　Smoke on the Water
歪んだオルガンが独自の重層さを演出

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「曲解説」

1 Highway Star

各パートが主張しまくりで熱量のあるヤバイ演奏が聴かせてくれる。BPMは現在の感覚で言うと速くないのだが「体感速度が非常に速く感じる」ドライブするリズム隊と効果音のようなオルガンが無条件にHighwayを連想させる。

間奏部のギター演奏は名演で「猛スピードで走り出す事を扇情する」かのようなエフェクティブなプレイ。そしてその後に登場する「音がビームになって飛び出してくる」ようなテクニカルなソロが飛び出す、このようなギタープレイは60年代ロックでは聴けないのでリッチー・ブラックモア(g)がテクニック的にいかに優れていたのかが伺える。

5 Smoke on the Water

誰でも一度は聴いたことがある例のフレーズがリフレインされる。最小限の音数で最大限の効果を発揮するリフのお手本のようなフレーズであり、「ギターロック=ミニマムなリフ」という方程式を作ったと言っても過言ではない曲。

6 Lazy

真夜中のドライブのような気分を味わえる曲。スピードを体感できるギターワークと軽やかなオルガンの絡みが秀逸。途中からドラムのタイトなリズムが加わり夢心地なハーモニカも登場して曲はエンディングを迎える。作品中で最も収録時間が長い曲で各プレイヤーの熱量が最も伝わってくる。

7 Space Truckin

ギターと歪んだオルガンの絡みが重厚さとスペーシーな雰囲気を醸し出す曲で、ツインギターでは絶対に出ない音の厚みがあり正にハードなロック。

HR/HM

…And Justice For All/メタリカ(Metallica) 1988年

メタリカ通算4枚目のアルバム。ジャケットデザインのイメージ通り、初期のザクザクした音色ではなくコクがあり重層でクラシカルな音色が中世ヨーロッパの古城や名作RPGゲームの戦闘シーンを連想できる。

初期の荒々しい彼等のサウンドには気薄であったメロディックさがある。前作「メタル・マスター」(Master of Puppets)で「スラッシュメタル」の文脈でやりたい事は全てやったのではないか？！という印象を持ったのだが今作「...And Justice For All」で「スラッシュメタルマスター」の域に達し、スラッシュメタルの文脈においてはもう進化も深化もしないというところまで行き着いたのだと思う。そんな彼らは91年にアンダーグラウンドシーンから出てきた「スローなヘヴィネス」と共振する問題作をリリースして賛否両論を巻き起こすことになる。

「要点」

スラッシュメタルの文脈でやりたい事は全てやった感を感じる
名作RPGを連想する重層でクラシカルな音色

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「曲解説」

4 One

彼らの楽曲の中でもおそらく指折りに名曲だと思われる。前作「Master of Puppets」収録「Battery」同様に叙情的で静かなパートからはじまる。Batteryは「静かなイントロ」→「激しいメタルサウンド」に変貌するというインパクト大の楽曲であったがOneは叙情的で美しいアコースティックアルペジオが曲の折り返し地点まで続き(ソロまで飛び出す)「この曲はアコースティックな曲なんだな」と本気で思いかけた時、その空気感を切り裂くようにディストーションギターが登場し徐々に熱量を上げていく。そしてラスト2分半は初期よりヘヴィになった音でガチガチのスラッシュメタルに変貌する。静かなイントロから激しいメタルサウンドに変貌する曲や90年代に一大トレンドとなった「動」(ラウド)→「静」(クワイエット)→「動」(ラウド)的な展開の曲なども多数聴いた事はあるのだが、個人的にはここまで振り幅の激しい曲を聴いた事がない。冒頭の「幼少時代の美しい原風景のような世界観」が曲が終わる頃には「阿修羅によって破壊された都」になっている。

8 To Live is to Die

非常にインパクトのある曲で「4 One」同様に美しくアコースティクなアルペジオから始まるが「ドッドッドッドッ」という歪みがあらわれるのを合図にスローでディープなメタルサウンドに変貌するのだが曲の中間部では「幼少期の思い出」のようなオルゴールが鳴り響くという構造。

この曲を聴いていると90年代RPGゲームによくあった「のどかで何もないが平和な村がある日巨大なドラゴンにより壊滅させられた。そんな中で一人だけ生き残った少年が後に勇者となる」このような話が頭の中に浮かんでくる。90年代RPGゲームの戦闘シーンは今にして思えば、スラッシュメタルやメロディックスピードメタルな音が完全にメインであり、ストーリーの展開も「破壊」「哀愁」などが複雑に絡んでいた。当時のRPGゲーム関係者には熱心なメタルファンが多いのでは？！と思われる。

9 Dyers Eve

高速ユニゾンが印象的な「待ってました感」のあるスラッシュメタルチューン。1stアルバムのスラッシュメタルが単車での暴走ならば本曲はサラブレッド100頭の突進のような破壊力を感じる。

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